Hudba je forma vyjádření v médiu času využívající struktury tónů a ticha. Vytváří složité formy v čase vytvářením vzorců a kombinací přirozených podnětů, jako je zvuk. Jako lidská činnost může být hudba využita k uměleckým nebo estetickým, zábavním nebo ceremoniálním účelům. Definice toho, co tvoří hudbu, se liší podle kultury a společenského kontextu.
Definice hudby jako zvuku se zvláštními vlastnostmi je psychoakustikou brána jako daná a je běžná v muzikologii a performanci. To, co je široce označováno jako hudba, má pozorovatelné vzorce, a i když existují pochopitelné kulturní odchylky, vlastnostmi hudby jsou vlastnosti zvuku tak, jak ho vnímá a zpracovává člověk.
Řečtí filozofové a středověcí teoretikové definovali hudbu jako tóny uspořádané horizontálně (jako melodie) a vertikálně (jako harmonie). Hudební teorie se v této oblasti studuje s předpokladem, že hudba je spořádaná a často příjemná na poslech. Ve 20. století však skladatelé zpochybnili názor, že hudba musí být příjemná, vytvářením hudby, která zkoumala drsnější, tmavší zabarvení.
Skladatel 20. století John Cage nesouhlasil s názorem, že hudba je příjemná melodie. Místo toho tvrdil, že jakýkoliv zvuk, který můžeme slyšet, může být hudbou, a například řekl: „Není tu žádný hluk, jen zvuk,“. Podle muzikologa Jeana-Jacquese Nattieze (1990 s. 47-8,55): „Hranice mezi hudbou a hlukem je vždy kulturně definovaná – z čehož vyplývá, že ani v rámci jedné společnosti tato hranice neprochází vždy stejným místem; zkrátka, málokdy existuje konsenzus… Podle všeho neexistuje jediný a mezikulturní univerzální koncept, který by definoval, co by hudba mohla být.“
Skladatel Anton Webern vyjádřil ve svém legendárním výroku Se mnou věci nikdy nedopadnou tak, jak bych si přál, ale jen tak, jak mi to bylo nařízeno – jak musím uvést základní generativní proces hudby. Německý filozof Johann Wolfgang Von Goethe uvedl povahu vzorů a forem jako základ hudby, když prohlásil, že „architektura je zmrzlá hudba“. Tím měl na mysli, že jakékoli přirozené podněty, které mají základní strukturní vzory, mají hudební formu.
Jiné definice hudby uvádějí aspekty nebo prvky, které tvoří hudbu. Molino (1975: 43) tvrdí, že kromě nedostatku konsensu „jakýkoli prvek patřící k celkovému hudebnímu faktu může být izolován nebo brán jako strategická proměnná hudební produkce“. Nattiez uvádí jako příklady Con Voce (s hlasem) Mauricia Kagela, kde maskované trio tiše napodobuje hrající nástroje. V tomto příkladu je vyloučen zvuk, běžný prvek, zatímco fyzické gesto, méně běžný prvek v definicích hudby, má přednost.
Tradiční nebo klasické evropské aspekty hudby, které jsou často uváděny, jsou ty prvky, kterým je v evropsky ovlivněné klasické hudbě přisuzováno prvenství: melodie, harmonie, rytmus, barva tónu/zabarvení tónu a forma. Obsáhlejší seznam je dán uvedením aspektů zvuku: výška tónu, zabarvení tónu, hlasitost a délka trvání. 1 Tyto aspekty se spojují, aby vytvořily sekundární aspekty včetně struktury, textury a stylu. Mezi další běžně zahrnuté aspekty patří prostorové umístění nebo pohyb zvuků, gest a tance v prostoru.
Ticho bylo dlouho považováno za aspekt hudby, od dramatických pauz v symfoniích z doby romantismu až po avantgardní používání ticha jako umělecké výpovědi v dílech 20. století, jako je 4’33 Johna Cage.“John Cage považuje trvání za primární aspekt hudby, protože je to jediný aspekt společný jak pro „zvuk“, tak pro „ticho“.
Jak již bylo uvedeno výše, liší se nejen aspekty zahrnuté jako hudba, ale liší se i jejich význam. Například melodie a harmonie jsou často považovány za důležitější v klasické hudbě na úkor rytmu a zabarvení. Často se diskutuje o tom, zda existují aspekty hudby, které jsou univerzální. Diskuse se často odvíjí od definic, například celkem běžné tvrzení, že „tonalita“ je univerzální pro veškerou hudbu, může nutně vyžadovat rozsáhlou definici tonality.
Alegorie hudby, napsal Filippino Lippi
Puls je někdy brán jako univerzální, přesto existují sólové vokální a instrumentální žánry s volnými, improvizačními rytmy bez pravidelného pulsu;2 Jedním z příkladů je alapová sekce hindustánského hudebního představení. Podle Danea Harwooda „si musíme položit otázku, zda je třeba mezikulturní hudební univerzální hledat v samotné hudbě (buď v její struktuře nebo funkci), nebo ve způsobu, jakým je hudba vytvářena. Pod pojmem ‚tvorba hudby‘ mám na mysli nejen skutečné provedení, ale také to, jak je hudba slyšena, pochopena, dokonce učena.“ 3
Běžné termíny používané k diskusi o jednotlivých skladbách zahrnují melodii, což je sled tónů slyšených jako nějaká jednotka; akord, což je souběžnost tónů slyšených jako nějaká jednotka; akordový progres, což je sled akordů (souběžná posloupnost); harmonii, což je vztah mezi dvěma nebo více tóny; kontrapunkt, což je souběžnost a organizace různých melodií; a rytmus, což je organizace duračních aspektů hudby.
Hudba se skládá a provádí pro mnoho účelů, od estetických potěšení, náboženských nebo obřadních účelů, nebo jako zábavní produkt pro trh. Amatérští hudebníci skládají a provádějí hudbu pro své vlastní potěšení a nesnaží se získávat svůj příjem z hudby. Profesionální hudebníci jsou zaměstnáni v řadě institucí a organizací, včetně ozbrojených sil, kostelů a synagog, symfonických orchestrů, vysílacích nebo filmových produkčních společností a hudebních škol. Profesionální hudebníci také pracují jako externisté, hledají zakázky a angažmá v různých prostředích.
Často se rozlišuje mezi hudbou provedenou ve prospěch živého publika a hudbou, která je provedena za účelem, aby byla zaznamenána a šířena prostřednictvím maloobchodního systému s hudbou nebo vysílacího systému. Existuje však také mnoho případů, kdy je živé vystoupení před publikem zaznamenáno a šířeno (nebo vysíláno).
Hudebníkem je někdo, kdo provádí, skládá nebo diriguje hudbu. Hudebníci provádějí hudbu z různých důvodů. Někteří umělci vyjadřují své pocity hudbou. Provádění hudby je příjemná činnost pro amatérské i profesionální hudebníky a často se tak děje ve prospěch publika, které z výkonu odvozuje nějakou estetickou, společenskou, náboženskou nebo ceremoniální hodnotu. Součástí motivace profesionálních umělců je, že z tvorby hudby odvozují své příjmy. Stejně tak se hudba provádí v kontextu procvičování, jako způsob rozvoje hudebních dovedností.
Mnoho kultur zahrnuje silné tradice sólového nebo sólového vystoupení, například v indické klasické hudbě, a v západní umělecké hudební tradici. Jiné kultury, například na Bali, zahrnují silné tradice skupinového vystoupení. Všechny kultury zahrnují směs obojího a vystoupení se může pohybovat od improvizovaného sólového hraní pro potěšení až po vysoce plánované a organizované výkonové rituály, jako je moderní klasický koncert nebo náboženské procesí.
Komorní hudba, která je hudbou pro malý soubor, je často vnímána jako intimnější než symfonická díla. Umělec se nazývá hudebník nebo zpěvák a může být součástí hudebního souboru, jako je rocková skupina nebo symfonický orchestr.
Ústní tradice a notace
Když se hudba zapisuje, obvykle se zapisuje tak, aby existovaly instrukce ohledně toho, co by měli posluchači slyšet a co by měl hudebník udělat, aby hudbu provedl. To se označuje jako hudební notace a studium toho, jak noty číst, zahrnuje hudební teorii, harmonii, studium výkonové praxe a v některých případech pochopení historických výkonových metod.
Písemný zápis se liší podle stylu a období hudby. V hudbě západního umění jsou nejčastějšími typy psaného zápisu partitury, které zahrnují všechny hudební části kompletu, a části, které jsou hudebním zápisem pro jednotlivé interprety nebo zpěváky. V populární hudbě, jazzu a blues je standardním hudebním zápisem úvodní list, který zaznamenává melodii, akordy, texty (jde-li o vokální skladbu) a strukturu hudby. Nicméně partitury a části se používají také v populární hudbě a jazzu, zejména ve velkých souborech, jako jsou jazzové „big bands“.
V populární hudbě kytaristé a hráči na elektrickou basu často čtou hudbu zaznamenanou v tablatuře, která udává umístění tónů, jež mají být na nástroji zahrány, pomocí nákresu kytary nebo basové hmatnice. Obecně se hudba, která má být provedena, vyrábí jako notový zápis. Tabulatura se také používala v barokní době k zápisu hudby pro loutnu, strunný, pražcový nástroj.
K provedení hudby ze zápisu je nutné porozumět hudebnímu stylu i herecké praxi, která je spojena s hudebním dílem nebo žánrem. Detail explicitně obsažený v hudebním zápisu se liší mezi žánry a historickými obdobími. Obecně platí, že zápis umělecké hudby od 17. do 19. století vyžadoval od interpretů velké množství kontextuálních znalostí o interpretačních stylech. Například v 17. a 18. století hudba notovaná pro sólové interprety typicky označovala jednoduchou, neornamentovanou melodii. Očekávalo se však, že interpreti budou vědět, jak přidat stylisticky vhodné ornamenty, jako jsou trylky a obraty.
V 19. století může umělecká hudba pro sólové interprety dávat obecný pokyn, jako je provedení hudby expresivně, aniž by podrobně popisoval, jak by to interpret měl udělat. Očekávalo se, že interpret bude vědět, jak využít změny tempa, zvýraznění a pauzy (mimo jiné zařízení), aby získal tento „expresivní“ styl provedení.
Ve 20. století se notový zápis umělecké hudby často stával explicitnější a používal řadu značek a anotací, aby umělcům naznačil, jak mají skladbu hrát nebo zpívat. V populární hudbě a jazzu notový zápis téměř vždy označuje pouze základní rámec melodie, harmonie nebo přístupu k provedení; od hudebníků a zpěváků se očekává, že znají konvence provedení a styly spojené s konkrétními žánry a skladbami. Například „úvodní list“ jazzové písně může označovat pouze základní obrysy melodie a akordové změny. Od umělců v jazzovém souboru se očekává, že budou vědět, jak tuto základní strukturu „zhmotnit“.
Improvizace, interpretace, složení
Většina kultur používá alespoň část konceptu preconcepce hudebního materiálu, nebo skladby, jak je tomu v západní klasické hudbě. I když je hudba notována přesně, stále existuje mnoho rozhodnutí, která musí interpret učinit. Proces, kdy se interpret rozhoduje, jak provést hudbu, která byla dříve složena a notována, se nazývá interpretace.
V některých hudebních žánrech, jako je jazz a blues, je interpretovi dána ještě větší volnost, aby se mohl věnovat improvizaci v základním melodickém, harmonickém nebo rytmickém rámci. Největší volnost je interpretovi dána ve stylu provedení nazývaném volná improvizace, což je materiál, který je spontánně „myšlen“ (představován) při provedení, nikoli předpojatý. Improvizovaná hudba se obvykle řídí stylistickými nebo žánrovými konvencemi a dokonce „plně komponovaný“ zahrnuje nějaký svobodně zvolený materiál (viz předpotopní). Kompozice neznamená vždy použití notace nebo známé výhradní autorství jednoho jedince.
Hudba může být také určena popisem „procesu“, který může vytvářet hudební zvuky, příklady tohoto rozsahu od zvonkohry po počítačové programy, které vybírají zvuky. Hudba, která obsahuje prvky vybrané náhodou, se nazývá aleatorická hudba a je často spojována s Johnem Cagem a Witoldem Lutosławským.
Hudební kompozice je termín, který popisuje složení hudební skladby. Metody kompozice se značně liší, nicméně při analýze hudby jsou všechny formy – spontánní, trénované nebo netrénované – postaveny z prvků tvořících hudební skladbu. Hudba může být komponována pro opakované provedení nebo může být improvizována; komponována na místě. Hudba může být provedena zcela zpaměti, z písemného systému hudebního zápisu nebo z nějaké kombinace obojího. Studiu kompozice tradičně dominuje zkoumání metod a praxe západní klasické hudby, ale definice kompozice je dostatečně široká, aby zahrnovala spontánně improvizovaná díla jako díla svobodných jazzových interpretů a afrických bubeníků.
Pro pochopení skladby je důležité vyčlenit její prvky. Porozumění formálním prvkům hudby může být nápomocné při dešifrování toho, jak přesně je skladba konstruována. Univerzálním prvkem hudby je to, jak se zvuky objevují v čase, což se označuje jako rytmus skladby.
Když se zdá, že skladba má měnící se pocit času, je považována za rubato čas, italský výraz, který naznačuje, že tempo skladby se mění tak, aby vyhovovalo expresivnímu záměru interpreta. Dokonce i náhodné umístění náhodných zvuků, které se vyskytuje v hudební montáži, nastává v určitém čase, a tak využívá čas jako hudební prvek.
Koncert v Mozarteu, Salzburg
Oblast poznávání hudby zahrnuje studium mnoha aspektů hudby včetně toho, jak je zpracovávána posluchači.
Hudbu prožívají jednotlivci v celé řadě společenských prostředí od toho, že jsou sami, až po to, že se účastní velkého koncertu. Hudební vystoupení mají v různých kulturách a socioekonomickém prostředí různé podoby. V Evropě a Severní Americe často existuje rozdíl mezi tím, jaké druhy hudby jsou považovány za „vysokou kulturu“ a „nízkou kulturu“. „Vysoká kultura“ druhy hudby obvykle zahrnují západní uměleckou hudbu, jako jsou barokní, klasické, romantické a moderní symfonie, koncerty a sólová díla, a jsou obvykle slyšet na formálních koncertech v koncertních sálech a kostelech, přičemž publikum sedí tiše na sedadlech.
Na druhou stranu jiné druhy hudby, jako je jazz, blues, soul a country, jsou často hrány v barech, nočních klubech a divadlech, kde mohou diváci pít, tančit a vyjadřovat se povzbuzováním. Až do konce 20. století bylo rozdělení na „vysoké“ a „nízké“ hudební formy široce přijímáno jako platné rozlišení, které oddělovalo kvalitnější, pokročilejší „uměleckou hudbu“ od populárních stylů hudby, které byly slyšet v barech a tanečních sálech.
V 80. a 90. letech však muzikologové studující toto vnímané rozdělení mezi „vysokým“ a „nízkým“ hudebním žánrem tvrdili, že toto rozlišení není založeno na hudební hodnotě nebo kvalitě různých druhů hudby. Tvrdili spíše, že toto rozlišení je založeno do značné míry na socioekonomickém postavení nebo společenské třídě interpretů nebo posluchačů různých druhů hudby.
Zatímco například publikum klasických symfonických koncertů má obvykle nadprůměrné příjmy, publikum hip-hopového koncertu v oblasti vnitřního města může mít podprůměrné příjmy. I když účinkující, publikum nebo místo, kde se provádí jiná než „umělecká“ hudba, mohou mít nižší socioekonomický status, hudba, která se provádí, jako je blues, hip-hop, punk nebo funk, může být velmi složitá a sofistikovaná.
Neslyšící lidé mohou vnímat hudbu tak, že cítí vibrace ve svém těle, což je proces, který může být posílen, pokud jedinec drží zvučný, dutý předmět. Známým neslyšícím hudebníkem je skladatel Ludwig van Beethoven, který složil mnoho slavných děl i poté, co úplně ztratil sluch. Mezi poslední příklady neslyšících hudebníků patří Evelyn Glennie, vysoce uznávaná perkusistka, která je neslyšící od svých dvanácti let, a Chris Buck, virtuózní houslista, který přišel o sluch.
Hudbu, kterou skladatelé vytvářejí, lze slyšet prostřednictvím několika médií; nejtradičnějším způsobem je slyšet ji živě, v přítomnosti nebo jako jednoho z hudebníků. Živou hudbu lze také vysílat prostřednictvím rádia, televize nebo internetu. Některé hudební styly se zaměřují na vytvoření zvuku pro vystoupení, zatímco jiné se zaměřují na vytvoření nahrávky, která míchá dohromady zvuky, které nikdy nebyly přehrány „živě“. Nahrávání, a to i stylů, které jsou v podstatě živé, často využívá schopnost upravovat a spojovat nahrávky, které jsou považovány za „lepší“ než skutečné vystoupení.
V mnoha kulturách se méně rozlišuje mezi provozováním a poslechem hudby, protože prakticky každý se věnuje nějaké hudební činnosti, často komunální. V průmyslových zemích se zhruba v polovině 20. století stalo běžnějším poslechem hudby prostřednictvím zaznamenané formy, jako je zvukový záznam nebo sledování hudebního videa, než prožíváním živého vystoupení.
Někdy živá vystoupení obsahují předem nahrané zvuky. Například DJ používá diskové záznamy pro scratching a některá díla 20. století mají sólo pro nástroj nebo hlas, které se provádí spolu s hudbou, která je předem nahraná na pásku. Počítače a mnoho kláves mohou být naprogramovány tak, aby produkovaly a hrály MIDI hudbu. Diváci se také mohou stát interprety pomocí Karaoke, vynalezené Japonci, které používá hudební video a skladby bez hlasu, takže interpret může přidat svůj hlas do skladby.
Profesionální hudebníci v některých kulturách a hudebních žánrech skládají, vystupují a improvizují hudbu bez formálního vzdělání. Hudební žánry, kde jsou profesionální hudebníci typicky samouky nebo kde se učí prostřednictvím neformálního mentoringu a tvůrčích výměn, zahrnují blues, punk a žánry populární hudby, jako je rock, pop a hip-hop.
Absolvování vysokoškolských titulů v oboru hudba, včetně bakalářského studia hudby, bakalářského studia hudební výchovy a bakalářského studia s oborem hudba, trvá obvykle tři nebo čtyři roky. Tyto tituly poskytují studentům základy v hudební teorii a hudební historii a mnoho studentů také studuje nástroj nebo se učí techniku zpěvu jako součást svého programu.
Absolventi vysokoškolských hudebních programů mohou pokračovat v dalším studiu absolventských hudebních programů. Mezi absolventské tituly patří magistr hudby, magistr umění, doktorát a v poslední době i doktor hudebních umění nebo DMA. Titul magistr hudby, jehož dokončení trvá jeden až dva roky, se obvykle uděluje studentům studujícím výkon nástroje nebo hlasu nebo skladbu. Titul magistr umění, jehož dokončení trvá jeden až dva roky a často vyžaduje diplomovou práci, se obvykle uděluje studentům studujícím muzikologii, hudební historii nebo hudební teorii.
Doktorát, který je vyžadován pro studenty, kteří chtějí pracovat jako univerzitní profesoři v oboru muzikologie, hudební historie nebo hudební teorie, trvá tři až pět let studia po magisterském studiu, během nichž student dokončí pokročilé kurzy a provede výzkum pro disertační práci. Doktorát hudebních umění neboli DMA je relativně nový titul, který byl vytvořen, aby poskytl renomé profesionálním interpretům nebo skladatelům, kteří chtějí pracovat jako univerzitní profesoři v oboru hudební performance nebo skladby. DMA trvá tři až pět let po magisterském studiu a zahrnuje pokročilé kurzy, projekty a představení.
Hudba jako součást všeobecného vzdělávání
Začlenění hudební výchovy od předškolního až po postsekundární vzdělávání je běžné v Severní Americe a Evropě, protože se předpokládá, že zapojení do hudby naučí základní dovednosti, jako je soustředění, počítání, poslech a spolupráce, a zároveň podpoří porozumění jazyku, zlepší schopnost vybavit si informace a vytvoří prostředí, které bude příznivější pro učení v jiných oblastech.4 Na základních školách se děti často učí hrát na nástroje, jako je zobcová flétna, zpívat v malých sborech a učí se o historii západní umělecké hudby. Na středních školách mohou mít studenti možnost vystupovat s určitým typem hudebních souborů, jako jsou sbory, pochodové kapely, jazzové kapely nebo orchestry, a v některých školních systémech mohou být k dispozici hudební třídy.
Na univerzitní úrovni mohou studenti většiny uměleckých a humanitních programů získat kredit za absolvování hudebních kurzů, které mají obvykle podobu přehledového kurzu o historii hudby, nebo kurzu hudebního ocenění, který se zaměřuje na poslech hudby a učení se o různých hudebních stylech. Kromě toho má většina severoamerických a evropských univerzit nějaký typ hudebních souborů, kterých se mohou účastnit i studenti, kteří se neúčastní hudby, jako jsou sbory, pochodové kapely nebo orchestry.
Studium západní umělecké hudby je stále běžnější mimo Severní Ameriku a Evropu, jako je STSI na Bali nebo programy klasické hudby, které jsou dostupné v asijských zemích, jako je Jižní Korea, Japonsko a Čína. Zároveň západní univerzity a vysoké školy rozšiřují své studijní programy o hudbu nezápadních kultur, jako je hudba Afriky nebo Bali (např. gamelanská hudba).
Jak amatérští, tak profesionální hudebníci obvykle chodí na hudební lekce, krátká soukromá sezení s individuálním učitelem. Amatérští hudebníci obvykle chodí na lekce, aby se naučili hudební základy a začátečnické až střední hudební techniky.
Ve středověku bylo studium hudby jedním z kvadrivií sedmi svobodných umění a považovalo se za zásadní pro vyšší vzdělání. V rámci kvantitativního kvadrivia byla hudba, nebo přesněji harmonie, studiem racionálních proporcí.
Zoomusikologie je studium hudby nelidských zvířat, nebo hudebních aspektů zvuků produkovaných nelidskými zvířaty. Jak se zeptal George Herzog (1941), „mají zvířata hudbu?“ Musique, mythe, nature, ou les Dauphins d’Arion (1983) Françoise-Bernarda Mâcheho, studie „ornitho-muzikologie“ používající techniku Ruwetovy paradigmatické segmentační analýzy Jazyk, muzika, poésie (1972), ukazuje, že ptačí zpěvy jsou organizovány podle principu opakování-transformace. Podle názoru Jeana-Jacquese Nattieze (1990), „v poslední analýze je to lidská bytost, kdo rozhoduje o tom, co je a co není hudební, i když zvuk není lidského původu. Pokud uznáme, že zvuk není organizován a koncepčně zpracován (tedy vytvářen tak, aby tvořil hudbu) pouze svým producentem, ale myslí, která ho vnímá, pak je hudba jedinečně lidská.“
Hudební teorie je studium hudby, zpravidla vysoce odborným způsobem mimo jiné disciplíny. Obecněji se vztahuje k jakémukoli studiu hudby, obvykle v nějaké formě souvisejícímu s kompozičními záležitostmi, a může zahrnovat matematiku, fyziku a antropologii. To, co se nejčastěji vyučuje v počátečních hodinách hudební teorie, jsou pokyny k psaní ve stylu běžné praxe období, neboli tónové hudby. Teorie, dokonce i ta, která studuje hudbu běžné praxe období, může mít mnoho dalších forem. Hudební teorie množin je aplikace matematické teorie množin na hudbu, poprvé aplikovaná na atonální hudbu. Spekulativní teorie hudby, v kontrastu s analytickou teorií hudby, se věnuje analýze a syntéze hudebních materiálů, například ladicích systémů, zpravidla jako přípravě na kompozici.
Historie hudby ve vztahu k lidským bytostem předchází psanému slovu a je svázána s vývojem a jedinečným vyjádřením různých lidských kultur. Hudba ovlivňuje člověka, a naopak, od počátku civilizace. Populární styly hudby se značně lišily od kultury ke kultuře a od období k období. Různé kultury zdůrazňovaly různé nástroje, nebo techniky. Samotná historie hudby je (odlišnou) podoblastí muzikologie a historie, která studuje chronologický vývoj hudby, především v západním světě.
Vzhledem k tomu, že existuje mnoho definic pro hudbu, existuje mnoho rozdělení a seskupení hudby, z nichž mnohé jsou zachyceny v hádce o definici hudby. Mezi větší žánry patří klasická hudba, populární hudba nebo komerční hudba (včetně rock and rollu), country hudba a lidová hudba.
Často panují neshody ohledně toho, co tvoří „skutečnou“ hudbu: pozdně dobové Beethovenovy smyčcové kvartety, Stravinského baletní partitury, serialismus, bebopová éra Jazz, rap, punk rock a elektronika byly některými kritiky považovány za nehudební, když byly poprvé představeny.
Termín world music byl použit pro širokou škálu hudby vytvořené mimo Evropu a evropský vliv, i když jeho původní použití v kontextu World Music Program na Wesleyan University bylo jako termín zahrnující všechny možné hudební žánry, včetně evropských tradic. (V akademických kruzích byl původní termín pro studium world music, „komparativní muzikologie“, nahrazen v polovině dvacátého století „etnomuzikologií“, což je stále neuspokojivá ražba.)
Žánry hudby jsou stejně často určovány tradicí a prezentací jako skutečnou hudbou. Zatímco většina klasické hudby je akustická a má být prováděna jednotlivci nebo skupinami, mnoho děl označovaných jako „klasická“ zahrnuje samply nebo pásky nebo jsou mechanická. Některá díla, jako Gershwinova Rhapsody in Blue, jsou nárokována jak jazzem, tak klasickou hudbou.
Jak byly světové kultury ve větším kontaktu, jejich původní hudební styly se často spojovaly do nových stylů. Například americko-americký bluegrassový styl obsahuje prvky z anglo-irských, skotských, irských, německých a některých afroamerických instrumentálních a vokálních tradic, které se dokázaly spojit v americké multietnické „tavící kotlíkové“ společnosti.
Mnoho současných hudebních festivalů oslavuje určitý hudební žánr.
Můžete použít hudbu zapojit pravou hemisféru v pozitivních emocích.