Hudební výchova

Sbor – Koncertní kapela – Marching band – Orchestr

Hudební výchova je studijní obor spojený s výukou a studiem hudby.

Na základních školách se děti často učí hrát na nástroje, jako jsou klávesy nebo zobcová flétna, zpívat v malých sborech a učit se o prvcích hudebního zvuku a historii hudby. Ačkoli hudební výchova v mnoha zemích tradičně kladla důraz na západní klasickou hudbu, v posledních desetiletích hudební pedagogové obvykle začleňují použití a historii nezápadní hudby, aby získali ucelený hudební zážitek a učili multikulturalismus a mezinárodní porozumění. Na základních a středních školách mohou mít studenti často příležitost vystupovat v nějakém typu hudebního souboru, jako je sbor, orchestr nebo školní kapela: koncertní kapela, pochodová kapela nebo jazzová kapela. Na některých středních školách mohou být k dispozici také další hudební kurzy.

Na univerzitní úrovni mohou studenti většiny uměleckých a humanitních programů získat akademický kredit za absolvování hudebních kurzů, které mají obvykle podobu přehledového kurzu o historii hudby, nebo kurzu hudebního ocenění, který se zaměřuje na poslech hudby a učení se o různých hudebních stylech. Kromě toho má většina severoamerických a evropských univerzit nějaký typ hudebního souboru, kterého se mohou účastnit studenti z různých studijních oborů, jako je sbor, koncertní kapela, pochodová kapela nebo orchestr. Katedry hudebního vzdělávání na severoamerických a evropských univerzitách často podporují mezioborový výzkum v takových oblastech, jako je hudební psychologie, historiografie hudebního vzdělávání, vzdělávací etnomuzikologie a filozofie vzdělávání.

Studium západní umělecké hudby je stále běžnější v hudebním vzdělávání mimo Severní Ameriku a Evropu, včetně asijských států, jako je Jižní Korea, Japonsko a Čína. Zároveň západní univerzity a vysoké školy rozšiřují své osnovy o hudbu nezápadních kultur, jako je hudba Afriky nebo Bali (např. gamelanská hudba).

Hudební výchova také probíhá v individualizovaných, celoživotních vzdělávacích a komunitních kontextech. Jak amatérští, tak profesionální hudebníci obvykle chodí na hudební lekce, krátká soukromá sezení s individuálním učitelem. Amatérští hudebníci obvykle chodí na lekce, aby se naučili hudební základy a hudební techniky na úrovni začátečníků až středně pokročilých.

Dějiny hudební výchovy v USA.

Hudební vzdělání v Severní Americe lze vysledovat až do kolonií sedmnáctého století. Na jihu Spojených států neexistoval žádný organizovaný systém hudebního vzdělávání. Nicméně učení se nazpaměť hrálo významnou roli v přenosu hudebních tradic. V severních koloniích byla hudba již důležitým faktorem v životě poutníků. Bay Psalm Book, zejména pozdější vydání, poskytovala metody pro solmizaci spolu s výukou performance. Tak se severským kolonistům mohlo podařit naučit se základy hudebních dovedností, které souvisely se zpěvem žalmů.
Hudby bylo také mnoho v malých městských výborových kapelách.

Po kázání reverenda Thomase Symmese vznikla v roce 1717 v Bostonu ve státě Massachusetts první pěvecká škola za účelem zlepšení zpěvu a čtení hudby v kostele. Tyto pěvecké školy se postupně rozšířily po koloniích. Reverend John Tufts vydal knihu Úvod do zpěvu žalmových melodií s použitím netradiční notace, která je považována za první hudební učebnici v koloniích. Mezi lety 1700 až 1820 bylo vydáno více než 375 melodických knih takových autorů jako Samuel Holyoke, Francis Hopkinson, William Billings a Oliver Holden.

V roce 1832 založili Lowell Mason a George Webb Bostonskou hudební akademii s cílem vyučovat zpěv a teorii a také metody výuky hudby. Mason v roce 1834 vydal svůj Manuel of Instruction, který byl založen na dílech Pestalozzianského vzdělávacího systému založeného švýcarským pedagogem Johannem Heinrichem Pestalozzim. Tato příručka byla postupně používána mnoha učiteli pěveckých škol. V letech 1837-1838 povolil Bostonský školní výbor Lowellu Masonovi vyučovat hudbu v Hawesově škole jako ukázku. To je považováno za první případ, kdy byla hudební výchova zavedena do veřejných škol ve Spojených státech. V roce 1838 schválil Bostonský školní výbor zařazení hudby do učebních osnov a Lowell Mason se stal prvním uznávaným dohlížitelem nad základní hudbou. V pozdějších letech se Luther Whiting Mason stal dohlížitelem nad hudbou v Bostonu a rozšířil hudební výchovu do všech úrovní veřejného vzdělávání (gymnázia, základní a střední školy). V polovině 19. století se Boston stal modelem, do kterého mnoho dalších měst po celých Spojených státech zahrnulo a formovalo své programy hudebního vzdělávání ve veřejných školách. Hudební metodika pro učitele jako předmět byla poprvé zavedena v Normální škole. Koncept vyučujících ve třídě ve škole, která vyučovala hudbu pod vedením dohlížitele nad hudbou, byl standardním modelem hudebního vzdělávání ve veřejných školách v tomto století.

Doporučujeme:  August Weismann

Standardy jsou osnovy, které slouží pedagogům jako vodítko při určování cílů jejich výuky. Používání standardů se stalo běžnou praxí v mnoha zemích během 20. století. Po velkou část své existence byly osnovy pro hudební výchovu ve Spojených státech určovány lokálně nebo jednotlivými učiteli. V posledních desetiletích došlo k významnému posunu směrem k přijetí regionálních a/nebo národních standardů. MENC: Národní asociace pro hudební výchovu vytvořila devět dobrovolných obsahových standardů, nazvaných Národní standardy pro hudební výchovu.Tyto standardy vyzývají k:

Mnoho států a školských obvodů přijalo vlastní normy pro hudební výchovu. Často tyto místní normy nějakým způsobem souvisejí s národními normami.

Stát Washington zavedl pilotní hodnocení výkonnosti na základě učebny, které vyžaduje, aby žáci 5. a vyššího stupně skládali hudbu na personálu a zpívali z not bez pomoci nástrojů. Je navrženo tak, aby hodnotilo standardy, kterých by měli dosáhnout všichni studenti. Zpěv na základě zraku je ve státě na úrovni 8. třídy požadavkem na učení. Ostatní státy také hodnotí možná hodnocení výkonnosti.

Instrukční metodiky

Zatímco instruktážní strategie jsou vázány učitelem hudby a hudebními osnovami v jeho oblasti, mnoho učitelů se silně spoléhá na jednu z mnoha instruktážních metodik, které se objevily v posledních generacích a rychle se rozvíjely v druhé polovině 20. století:

Hlavní mezinárodní metody hudebního vzdělávání

Zobrazení Curwenových znaků rukou Solfege. Tato verze obsahuje tónové tendence a zajímavé tituly pro každý tón.

Zoltán Kodály (1882-1967) byl významný maďarský hudební pedagog a skladatel, který zdůrazňoval výhody tělesné výuky a odezvy na hudbu. Ačkoli to není ve skutečnosti výchovná metoda, jeho učení sídlí v zábavném, vzdělávacím rámci postaveném na pevném uchopení základní hudební teorie a notového zápisu v různých slovních a psaných podobách. Kodályho primárním cílem bylo vštípit celoživotní lásku k hudbě svým studentům a cítil, že je povinností školy dítěte zajistit tento životně důležitý prvek vzdělávání. Mezi Kodályho metody výuky s ochrannou známkou patří používání znaků solfege rukou, notový zápis hudební zkratky (notový zápis hole) a solmnizace rytmu (verbalizace).

Doporučujeme:  Kongresové zkreslení

Carl Orff byl významný německý skladatel. Orff Schulwerk je považován za „přístup“ k hudební výchově. Začíná vrozenými schopnostmi studenta věnovat se základním formám hudby s využitím základních rytmů a melodií. Orff považuje celé tělo za perkusní nástroj a studenty vede k rozvoji jejich hudebních schopností způsobem, který je paralelní s rozvojem západní hudby. Přístup podporuje improvizaci a odrazuje dospělé od tlaků a mechanického drilu, podporuje studentské sebepoznávání. Carl Orff vyvinul speciální skupinu nástrojů, včetně modifikací zvonkohry, xylofonu, metalofonu, bubnu a dalších perkusních nástrojů, aby vyhověl požadavkům Schulwerk kurzů.

Suzukiho metoda byla vyvinuta Shinichim Suzukim v Japonsku krátce po druhé světové válce a využívá hudební výchovu k obohacení života a morálního charakteru svých studentů. Hnutí se opírá o dvojí premisu, že „všechny děti mohou být dobře vzdělané“ v hudbě a že naučit se hrát hudbu na vysoké úrovni zahrnuje také učení se určitým charakterovým rysům nebo ctnostem, které činí duši člověka krásnější. Primární metoda k dosažení tohoto cíle se soustřeďuje na vytvoření stejného prostředí pro učení se hudbě, jaké má člověk pro učení svého rodného jazyka. Toto „ideální“ prostředí zahrnuje lásku, kvalitní příklady, chválu a časový harmonogram stanovený studentovou vývojovou připraveností pro učení se určité technice. Zatímco Suzukiho metoda je mezinárodně poměrně populární, v Japonsku je její vliv méně významný než Yamaha metoda, kterou založil Genichi Kawakami ve spolupráci s Yamaha Music Foundation.

Metodu Dalcroze vyvinul na počátku 20. let 20. století švýcarský hudebník a pedagog Émile Jaques-Dalcroze. Metoda je rozdělena do tří základních pojmů – používání solfege, improvizace a eurytmiky. Někdy označovaná jako „rytmická gymnastika“, eurytmika učí pojmy rytmus, struktura a hudební vyjádření pomocí pohybu a je konceptem, pro který je Dalcroze nejznámější. Zaměřuje se na to, aby student mohl získat fyzické vědomí a zkušenost s hudbou prostřednictvím tréninku, který probíhá všemi smysly, zejména kinestetikou. Podle metody Dalcroze je hudba základním jazykem lidského mozku, a proto je hluboce spojena s tím, co jsou lidské bytosti.

Kromě čtyř výše popsaných hlavních mezinárodních metod měly vliv i další přístupy. Méně známé metody jsou popsány níže:

Gordon Music Learning Theory

Tato metoda je založena na rozsáhlém souboru výzkumů a terénních testů Edwina E. Gordona a dalších. Teorie hudebního učení poskytuje učiteli hudby ucelenou metodu pro výuku muzikantství prostřednictvím audiace, což je Gordonův termín pro slyšení hudby v mysli s porozuměním. Metody výuky pomáhají učitelům hudby stanovit postupné studijní cíle v souladu s jejich vlastními učebními styly a přesvědčeními.

Konverzační řešení bylo vyvinuto Dr. Johnem M. Feierabendem, vedoucím hudebního vzdělávání na Hartt School na University of Hartford. Filozofií této metody je nahlížet na hudbu jako na aurální umění s osnovami založenými na literatuře. Posloupnost této metodiky zahrnuje dvanáctistupňový proces výuky hudební gramotnosti. Kroky zahrnují rytmus a tónové vzory a dekódování vzorů pomocí slabik a notací.

Tento přístup v raném dětství, někdy označovaný jako smyslově-motorický přístup k hudbě, vyvinula houslistka Madeleine Carabo-Cone. Tento přístup zahrnuje použití rekvizit, kostýmů a hraček pro děti, aby se naučily základní hudební pojmy personálu, délku notového zápisu a klavírní klávesnici. Konkrétní prostředí speciálně plánované učebny umožňuje dítěti učit se základům hudby prozkoumáváním dotykem.

Doporučujeme:  Fyzický stres

Manhattanville Music Curriculum Project byl vyvinut v roce 1965 a je alternativní metodou při formování pozitivních postojů k hudebnímu vzdělávání. Tento tvůrčí přístup se soustřeďuje na to, že student je muzikant a podílí se na procesu objevování. Učitel dává studentovi svobodu tvořit, vystupovat, improvizovat, provádět, zkoumat a zkoumat různé aspekty hudby ve spirálovitém studijním programu.

Aplikovaná groovologie a pásy stezek

Integrace s jinými subjekty

Některé školy a organizace podporují integraci uměleckých předmětů, jako je hudba, s jinými předměty, jako je matematika, přírodní vědy nebo angličtina. Předpokládá se, že integrace různých učebních osnov pomůže každému předmětu navazovat na sebe, čímž se zvýší celková kvalita vzdělávání.

Příkladem je program Kennedyho centra „Changing Education Through the Arts“. CETA definuje uměleckou integraci jako hledání přirozeného spojení mezi jednou nebo více uměleckými formami (tanec, drama/divadlo, hudba, výtvarné umění, vyprávění příběhů, loutkářství a/nebo tvůrčí psaní) a jednou nebo více dalšími učebními obory (věda, sociální studia, umění anglického jazyka, matematika a další) za účelem výuky a hodnocení cílů jak v umělecké formě, tak v jiné tematické oblasti. To umožňuje současné zaměření na tvorbu, vystupování a/nebo reakci na umění a zároveň se stále zabývá obsahem v jiných tematických oblastech.

V některých komunitách – a dokonce i celých národních vzdělávacích systémech – je hudba jako akademický předmět podporována jen velmi málo a učitelé hudby mají pocit, že musí aktivně usilovat o větší podporu veřejnosti pro hudební výchovu jako legitimní předmět studia. Tato pociťovaná potřeba změnit veřejné mínění vyústila v rozvoj nejrůznějších přístupů, které se běžně nazývají „obhajoba hudby“. Obhajoba hudby má mnoho forem, z nichž některé jsou založeny na legitimních odborných argumentech a vědeckých zjištěních, zatímco jiné příklady se opírají o nepřesvědčivá data a zůstávají spíše kontroverzní.

Mezi novější významné projekty obhajoby hudby, které se staly předmětem široké kontroverze, patří „Mozartův efekt“ (který je dnes všeobecně považován za založený na dezinterpretaci a přehánění, nebo dokonce pseudovědě) a projekt Národní hymna, který se snažil využít amerického vlasteneckého zápalu během raných fází „války proti terorismu“ (2004-2007) s nadějí, že hudební výchova by mohla být „zachráněna“ prostřednictvím výsledného nárůstu publicity pro školní hudební programy.

Mnozí odborníci na současnou hudbu tvrdí, že obhajoba hudby bude skutečně účinná pouze tehdy, bude-li založena na empiricky podložených argumentech, které přesahují politické motivace a osobní agendy. Tento postoj ohledně obhajoby hudby zastávali zejména filozofové hudebního vzdělávání (například Bennett Reimer, Estelle Jorgensen, David J. Elliott, Wayne Bowman atd.), přesto však zůstává propast mezi diskurzem filosofie hudebního vzdělávání a skutečnými postupy učitelů hudby a vedoucích pracovníků hudebních organizací.

Vlivní hudební pedagogové

Mezinárodní profesní organizace

Národní profesní organizace