Art

Iniciály ART naleznete na stránce Aggression Replacement Training.

Umění se vztahuje k různorodým lidským činnostem a artefaktům a může se vztahovat na všechna nebo některá umění, včetně hudby, literatury a dalších forem. Nejčastěji se používá konkrétně pro výtvarné umění, včetně médií, jako je malířství, sochařství a grafika. Může se však vztahovat i na formy umění, které stimulují ostatní smysly, jako je hudba, sluchové umění. Estetika je obor filozofie, který se zabývá uměním.

Výtvarné umění je definováno jako uspořádání barev, forem nebo jiných prvků „způsobem, který působí na smysl pro krásu, konkrétně jako vytváření krásna v grafickém nebo plastickém médiu“. Podstatu umění popsal Richard Wollheim jako „jeden z nejneuchopitelnějších tradičních problémů lidské kultury“. Bylo definováno jako prostředek pro vyjádření nebo sdělení emocí a myšlenek, prostředek pro zkoumání a oceňování formálních prvků pro ně samotné a jako mimesis nebo reprezentace. Lev Tolstoj označil umění za využití nepřímých prostředků ke komunikaci mezi lidmi. Benedetto Croce a R. G. Collingwood prosazovali idealistický názor, že umění vyjadřuje emoce, a že umělecké dílo tedy v podstatě existuje v mysli tvůrce. Umění jako forma má své kořeny ve filozofii Immanuela Kanta a na počátku dvacátého století jej rozvinuli Roger Fry a Clive Bell. Umění jako mimésis nebo reprezentace má hluboké kořeny v Aristotelově filozofii.

Tradičně se pojem umění používal pro označení jakékoli dovednosti nebo mistrovství, což se změnilo v období romantismu, kdy se na umění začalo pohlížet jako na „zvláštní schopnost lidské mysli, kterou je třeba zařadit mezi náboženství a vědu“.

Umění je obecně (produktem) lidské činnosti, která je vytvářena se záměrem podněcovat lidské smysly i mysl, předávat emoce a/nebo myšlenky. Kromě tohoto popisu neexistuje žádná obecně přijatá definice umění, protože vymezení hranic „umění“ je subjektivní.

Předmět může být charakterizován záměry nebo jejich nedostatkem jeho tvůrce bez ohledu na jeho zjevný účel. Šálek, který zdánlivě může sloužit jako nádoba, může být považován za umění, pokud je určen pouze jako ozdoba, zatímco obraz může být považován za řemeslo, pokud je vyráběn sériově.

Terasa kavárny na náměstí Place du Forum v Arles v noci, Vincent van Gogh, září 1888.

Nejčastěji se slovo „umění“, které se prosadilo po roce 1750, používá pro označení dovednosti používané k dosažení estetického výsledku. Britannica Online jej definuje jako „použití dovedností a představivosti při vytváření estetických předmětů, prostředí nebo zážitků, které lze sdílet s ostatními“. Podle kterékoli z těchto definic tohoto slova existují umělecká díla téměř stejně dlouho jako lidstvo: od raného prehistorického umění až po umění současné.

O pojmu „umění“ bylo napsáno mnoho knih a článků v časopisech. Zatímco Adorno v roce 1970 řekl: „Dnes se považuje za samozřejmé, že nic, co se týká umění, už nemůže být samozřejmé […]“, Walt Weaver v roce 1998 tvrdil, že „je samozřejmé, že nic, co se týká umění, už není samozřejmé“.

První a nejširší význam slova umění je nejblíže staršímu latinskému významu, který zhruba znamená „dovednost“ nebo „řemeslo“, a také z indoevropského kořene, který znamená „uspořádání“ nebo „uspořádat“. V tomto smyslu je uměním vše, co je popsáno jako to, co prošlo záměrným procesem uspořádání nějakým činitelem. Několik příkladů, kde se tento význam ukazuje jako velmi široký, zahrnuje artefakty, umělé, umělecké, dělostřelecké, lékařské a vojenské umění. Existuje však mnoho dalších hovorových užití tohoto slova, přičemž všechna mají nějaký vztah k jeho etymologii.

Druhým a novějším významem slova umění je zkratka pro kreativní umění nebo výtvarné umění. Výtvarné umění znamená, že se používá dovednost, která vyjadřuje umělcovu kreativitu, nebo která zapojuje estetické cítění diváků, nebo která přitahuje diváky k přemýšlení o jemných věcech. Pokud se dovednost používá běžným nebo praktickým způsobem, lidé ji často považují za řemeslo místo za umění. Stejně tak, pokud je dovednost používána komerčním nebo průmyslovým způsobem, bude považována za komerční umění namísto umění. Na druhou stranu řemesla a design jsou někdy považovány za užité umění. Někteří stoupenci umění tvrdí, že rozdíl mezi výtvarným a užitým uměním souvisí spíše s hodnotovými soudy o umění než s nějakým jasným definičním rozdílem. Nicméně i výtvarné umění má často cíle přesahující čistou kreativitu a sebevyjádření. Účelem uměleckých děl může být sdělování myšlenek, například v politicky, duchovně nebo filozoficky motivovaném umění, vytváření pocitu krásy (viz estetika), zkoumání povahy vnímání, pro potěšení nebo vyvolávání silných emocí. Účel může být také zdánlivě neexistující.

Malba od umělce Ma Lina z dynastie Song, asi 1250. 24,8 × 25,2 cm.

Konečné odvození jemného ve výtvarném umění pochází z filozofie Aristotela, který navrhl čtyři příčiny nebo vysvětlení věci. Poslední příčinou věci je účel její existence a z tohoto pojmu je odvozen pojem jemné umění. Pokud je konečnou příčinou uměleckého díla prostě umělecké dílo samo o sobě, „umění pro umění“, a nikoli prostředek k jinému cíli, pak by se toto umělecké dílo mohlo vhodně nazývat jemné. Úzce související pojem krásy je klasicky definován jako „to, co se při pohledu líbí“. Potěšení je konečnou příčinou krásy, a není tedy prostředkem k jinému cíli, ale cílem samým o sobě.

Umění může popisovat několik věcí: studium tvůrčí dovednosti, proces používání tvůrčí dovednosti, produkt tvůrčí dovednosti nebo zkušenost publika s tvůrčí dovedností. Tvůrčí umění (umění jako obor) je soubor oborů (umění), které vytvářejí umělecká díla (umění jako objekty), jež jsou podněcována osobními pohnutkami (umění jako činnost) a odrážejí nebo reflektují sdělení, náladu nebo symboliku, kterou má divák interpretovat (umění jako zážitek). Umělecká díla lze definovat jako účelové, tvůrčí interpretace neomezených pojmů nebo myšlenek s cílem něco sdělit druhé osobě. Umělecká díla mohou být explicitně vytvořena za tímto účelem nebo interpretována na základě obrazů či objektů.

Umění je něco, co stimuluje myšlenky, emoce, přesvědčení nebo představy jedince prostřednictvím smyslů. Je také vyjádřením myšlenky a může mít mnoho různých podob a sloužit mnoha různým účelům.

Ačkoli aplikace vědeckých teorií k vytvoření nové vědecké teorie zahrnuje dovednosti a vede k „vytvoření“ něčeho nového, jedná se pouze o vědu a není řazena do kategorie umění.

Fontána od Marcela Duchampa. 1917

V devatenáctém století se umělci zabývali především myšlenkami pravdy a krásy: typicky estetický teoretik John Ruskin, který obhajoval syrový naturalismus J. M. W. Turnera, viděl úlohu umění v tom, že uměleckými prostředky zprostředkovává základní pravdu, kterou lze nalézt pouze v přírodě. K radikálnímu zlomu v myšlení o umění došlo na počátku dvacátého století s nástupem modernismu a poté na konci dvacátého století s nástupem postmodernismu. Clement Greenberg v článku Modernistické malířství z roku 1960 definoval moderní umění jako „použití charakteristických metod oboru ke kritice oboru samotného“.

Greenberg tuto myšlenku původně aplikoval na hnutí abstraktního expresionismu a použil ji jako způsob, jak pochopit a ospravedlnit plošnou (neiluzionistickou) abstraktní malbu:

Ačkoli tato definice moderního umění původně sloužila pouze k pochopení určitého souboru umělců, je základem většiny představ o umění v různých uměleckých směrech 20. a počátku 21. století. Umění Marcela Duchampa se stává zřetelným, když ho vnímáme v tomto kontextu; když v roce 1917 předložil na výstavu Společnosti nezávislých umělců pisoár s názvem fontána, kritizoval výstavu umění pomocí vlastních metod.

Andy Warhol se stal významným umělcem díky tomu, že kritizoval populární kulturu a svět umění jazykem této kultury. Pozdější postmoderní umělci osmdesátých, devadesátých a dvacátých let 20. století posunuli tyto myšlenky dále a rozšířili tuto techniku sebekritiky mimo vysoké umění na veškerou kulturní obrazotvornost, včetně módních obrázků, komiksů, billboardů a pornografie.

Umění bylo vnímáno jako příslušnost k jedné společenské třídě a často vylučovalo ostatní. V tomto kontextu je umění vnímáno jako aktivita vyšší třídy spojená s bohatstvím, možností si umění koupit a volným časem potřebným k jeho provozování nebo užívání. Příkladem tohoto pohledu jsou například paláce ve Versailles nebo petrohradská Ermitáž s rozsáhlými sbírkami umění, které shromáždila pohádkově bohatá evropská královská rodina. Z jednoho pohledu je sbírání takového umění výsadou bohatých.

Před 13. stoletím byli v Evropě řemeslníci často považováni za příslušníky nižší kasty, avšak v období renesance se umělci spojili s vysokým postavením. Jemné a drahé zboží bylo v mnoha kulturách oblíbeným znakem statusu a je tomu tak i dnes. V opačném kulturním směru dochází k posunu přinejmenším od 8. listopadu 1793, kdy byl Louvre, do té doby soukromý zámek francouzského krále, během Francouzské revoluce otevřen veřejnosti jako muzeum umění. Většinu moderních veřejných muzeí a programů uměleckého vzdělávání pro děti ve školách lze odvodit od tohoto impulsu, aby umění bylo dostupné všem. Od té doby byly oba dřívější příklady rovněž přeměněny na veřejná muzea. Paláce ve Versailles také jako součást Francouzské revoluce, Ermitáž mnohem později po sovětské revoluci v roce 1917. Muzea ve Spojených státech bývají dary velmi bohatých lidí masám (například Metropolitní muzeum umění v New Yorku vytvořil John Taylor Johnston, ředitel železnice, jehož osobní sbírka umění dala muzeu základ). Přesto však přinejmenším jedna z důležitých funkcí umění v 21. století zůstává jako ukazatel bohatství a společenského postavení.

Performance Josepha Beuyse, 1978 : Každý umělec – Na cestě k libertariánské formě společenského organismu

Umělci se pokoušeli vytvořit umění, které by si bohatí nemohli koupit jako statusový předmět. Jedním z hlavních původních motivů velké části umění konce 60. a 70. let 20. století bylo vytvořit umění, které by se nedalo koupit a prodat. Je „nutné prezentovat něco víc než pouhé předměty“, řekl významný poválečný německý umělec Joseph Beuys. V tomto období vznikly například performance, videoart a konceptuální umění. Vycházelo se z myšlenky, že pokud je umělecké dílo performancí, která po sobě nic nezanechá, nebo je pouhou myšlenkou, nelze je koupit a prodat. „Demokratické premisy točící se kolem myšlenky, že umělecké dílo je zboží, podnítily estetickou inovaci, která vyklíčila v polovině šedesátých let a sklízela ovoce po celá sedmdesátá léta. Umělci široce identifikovaní pod hlavičkou konceptuálního umění… nahrazovali performanční a publikační aktivity angažovaností jak v materiální, tak v materiálové oblasti malířské či sochařské formy…. [se] snažili podkopat umělecký objekt qua object.“

V následujících desetiletích se tyto myšlenky poněkud vytratily, protože trh s uměním se naučil prodávat limitované edice DVD s videodíly, pozvánky na exkluzivní performance a předměty, které zbyly po konceptuálních dílech. Mnohé z těchto performancí vytvářejí díla, kterým rozumí pouze elita, jež je vzdělaná v tom, proč lze myšlenku, video nebo kus zdánlivého odpadu považovat za umění. Znakem statusu se stává porozumění dílu namísto jeho nutného vlastnictví a umělecké dílo zůstává činností vyšší třídy. „S rozšířením technologie záznamu na DVD na počátku tisíciletí získali umělci a systém galerií, který odvozuje své zisky z prodeje uměleckých děl, důležitý prostředek kontroly nad prodejem video a počítačových uměleckých děl v limitovaných edicích sběratelům“. Dalším příkladem tohoto posunu je umění Chrise Burdena. Chris Burden se nejvíce proslavil svou performancí Shoot z roku 1971, v níž se nechal zastřelit kamarádem do ruky z pušky ráže 22 (a v níž se nic neprodalo). Koncem 80. let na výstavách a v muzejní retrospektivě vystavoval „relikty“ raných performancí v plexisklových krabicích, včetně dvou hřebíků, kterými se v díle Trans-Fixed z roku 1974 přibil k zadní části Volkswagenu Brouk. V roce 2003 prodával v plexisklových krabicích umístěných na vysokém podstavci v galerii Gagosian umělecké dílo Gold Bullets, kulky z 22karátového zlata, které připomínaly jeho nejslavnější dílo. To umožnilo sběratelům koupit si kulky, které odkazují na toto významné dílo, které jsou od tohoto umělce, které mají zdánlivě další přidanou hodnotu v tom, že jsou vyrobeny ze zlata, a které budou chápat jako důležité i ostatní, kteří znají historii konceptuálního umění.

Jedním z charakteristických rysů výtvarného umění na rozdíl od užitého umění je absence jasné užitné či užitkové hodnoty. Tento požadavek je však někdy kritizován jako třídní předsudek vůči práci a užitkovosti. Odpůrci názoru, že umění nemůže být užitečné, argumentují tím, že veškerá lidská činnost má nějakou utilitární funkci a předměty, o nichž se tvrdí, že jsou „neužitečné“, mají ve skutečnosti funkci pokusu o mystifikaci a kodifikaci chybných společenských hierarchií. Někdy se také tvrdí, že ani zdánlivě neužitečné umění není neužitečné, ale že jeho užitečnost spočívá spíše v účinku, který má na psychiku tvůrce nebo diváka.

Umění využívají také arteterapeuti, psychoterapeuti a kliničtí psychologové jako arteterapii. Umění lze také použít jako nástroj testování osobnosti. V tomto případě není hlavním cílem konečný produkt, ale spíše se usiluje o proces uzdravení prostřednictvím tvůrčích činů. Výsledné umělecké dílo může také nabídnout vhled do potíží, které subjekt prožívá, a může navrhnout vhodné přístupy, které lze využít v konvenčnějších formách psychiatrické terapie.

Graffiti ve spreji na zdi v Římě.

Graffiti a další druhy pouličního umění jsou grafiky a obrazy, které jsou obvykle bez povolení namalovány sprejem nebo šablonou na veřejně přístupné zdi, budovy, autobusy, vlaky a mosty. Tento typ umění je součástí různých kultur mládeže, například americké hiphopové kultury. Používá se k vyjadřování politických názorů a zobrazování kreativních obrazů.

Ve společenském kontextu může umění sloužit k posílení morálky veřejnosti. Umění je často využíváno jako forma propagandy, a může tak nenápadně ovlivňovat lidové představy nebo nálady. V některých případech jsou umělecká díla k tomuto účelu přivlastněna, aniž by jejich tvůrce původně zamýšlel, že budou použita jako propaganda.

Z antropologického hlediska je umění často způsobem, jak předávat myšlenky a koncepty pozdějším generacím (do jisté míry) univerzálním jazykem. Interpretace tohoto jazyka závisí na perspektivě a kontextu pozorovatele. Samotná subjektivita umění tedy naopak ukazuje jeho význam pro usnadnění výměny a diskuse o soupeřících myšlenkách nebo pro zajištění sociálního kontextu, v němž se mohou shromažďovat a mísit odlišné skupiny lidí.

V dějinách umění je běžné, že se lidé přou o to, zda se určitá forma nebo dílo či konkrétní dílo považuje za umění, či nikoli. Ve skutečnosti po většinu minulého století představa umění spočívala v tom, že se jednoduše zpochybňovalo, co je umění. Filozofové umění tyto spory nazývají „klasifikační spory o umění“. Starořečtí filozofové například diskutovali o tom, zda má být etika považována za „umění dobře žít“, či nikoli. Klasifikační spory ve 20. století zahrnovaly: kubistické a impresionistické obrazy, Duchampovu Fontánu, filmy, superlativní napodobeniny bankovek, propagandu, a dokonce i krucifix ponořený do moči. Konceptuální umění často záměrně posouvá hranice toho, co se považuje za umění, a řada konceptuálních umělců z poslední doby, například Damien Hirst a Tracy Emin, vytvořila díla, o nichž se vedou aktivní spory. Videohry a hry na hraní rolí jsou obě oblasti, kde někteří nedávní kritici tvrdí, že se počítají za umění, a někteří tvrdí, že ne.

Filozof David Novitz tvrdí, že neshody ohledně definice umění jsou jen zřídkakdy jádrem problému. Spíše „vášnivé obavy a zájmy, které si lidé přisvojují ve svém společenském životě“, jsou „tak velkou součástí všech klasifikačních sporů o umění“ (Novitz, 1996). Podle Novitze jsou klasifikační spory častěji spory o naše hodnoty a o to, kam se snažíme s naší společností směřovat, než o vlastní teorii. Například když deník Daily Mail kritizoval Hirstovu a Eminovu tvorbu tvrzením: „Po tisíc let bylo umění jednou z našich velkých civilizačních sil. Dnes hrozí, že nakládané ovce a špinavé postele z nás všech udělají barbary“, neprosazují definici nebo teorii o umění, ale zpochybňují hodnotu Hirstovy a Eminovy práce.

Obraz Theodora Gericaulta „Vor Medúzy“ (1820) byl společenským komentářem k aktuální události, která v té době neměla obdoby. Obraz Edouarda Maneta „Le Déjeuner sur l’Herbe“ (1863) byl považován za skandální nikoli kvůli nahé ženě, ale proto, že sedí vedle plně oblečených mužů. Obraz Johna Singera Sargenta „Madame Pierre Gautreau (Madam X)“ (1884) vyvolal obrovský rozruch kvůli červenorůžové barvě ušního lalůčku ženy, která byla považována za příliš sugestivní a údajně zničila pověst modelky z vyšší společnosti.

Ve dvacátém století Pablo Picasso na obraze Guernica (1937) použil působivé kubistické techniky a strohé monochromatické oleje, aby zobrazil otřesné následky současného bombardování malého starobylého baskického města. Na obraze Výslech III (1981) Leona Goluba je zobrazena nahá zadržená žena s kapucí připoutaná k židli, s roztaženýma nohama odhalujícíma pohlavní orgány, obklopená dvěma trýzniteli v běžném oblečení. Andres Serrano na snímku Piss Christ (1989) zachycuje krucifix, posvátný pro křesťanské náboženství a představující Kristovu oběť a jeho poslední utrpení, ponořený do sklenice s vlastní močí. Následný rozruch vedl v Senátu Spojených států k připomínkám ohledně veřejného financování umění.

V jednadvacátém století vytvořil Eric Fischl Tumbling Woman jako památník těm, kteří skočili nebo padli při útocích na Světové obchodní centrum 11. září 2001. Dílo bylo původně instalováno v Rockefellerově centru v New Yorku, ale během jednoho roku bylo odstraněno jako příliš rušivé.

Formy, žánry, média a styly

Tvůrčí umění se často dělí na specifičtější kategorie, jako je dekorativní umění, výtvarné umění, scénické umění nebo literatura. Tak například malířství je formou výtvarného umění a poezie je formou literatury.

Umělecká forma je specifická forma uměleckého vyjádření, je to specifičtější pojem než umění obecně, ale méně specifický než žánr.

Některé příklady zahrnují mimo jiné:

Umělecké médium je látka, z níž je umělecké dílo vytvořeno. Například kámen a bronz jsou média, která se někdy používají v sochařství. Více forem může mít společné médium (poezie a hudba, obě používají zvuk), nebo jedna forma může používat více médií.

Velká vlna u Kanagawy, Katsushika Hokusai (Japonsko, 1760-1849), kolorovaný dřevoryt

Detail obrazu Mona Lisa od Leonarda da Vinciho, na kterém je vidět malířská technika sfumato

Žánr je soubor konvencí a stylů v rámci určité umělecké formy a média. Mezi uznávané filmové žánry patří například western, horor a romantická komedie. Mezi hudební žánry patří death metal a trip hop. Mezi žánry v malířství patří zátiší a pastorální krajina. Konkrétní umělecké dílo může žánr ohýbat nebo kombinovat, ale každý žánr má rozpoznatelnou skupinu konvencí, klišé a postupů. (Jedna poznámka: slovo žánr má v rámci malířství ještě jeden starší význam, žánrové malířství byl výraz používaný v 17. až 19. století pro označení konkrétně obrazů výjevů z každodenního života a může být takto používán dodnes).

Styl uměleckého díla, umělce nebo hnutí je charakteristický způsob a forma, kterou umění používá. Jakákoli volná malba štětcem, kapanou nebo litou abstrakcí se nazývá expresionistická (s malým „e“ a „ic“ na konci). Často jsou tyto styly spojeny s určitým historickým obdobím, souborem myšlenek a konkrétním uměleckým hnutím. Jackson Pollock se tedy nazývá abstraktní expresionista. Protože konkrétní styl má velmi specifický kulturní význam, je důležité být citlivý k rozdílům v technice. Obrazy Roye Lichtensteina nejsou pointilistické, i když používá tečky, protože se neshoduje s původními zastánci pointilismu. Lichtenstein používá Ben-Dayovy tečky: jsou rovnoměrně rozmístěné a vytvářejí ploché barevné plochy. Tyto typy teček se používaly k vybarvování komiksových stripů a jejich smyslem je spojit vysoké umění malby s nízkým uměním komiksu – komentovat kulturu a její nereálnost. Pointilismus používá tečky rozmístěné tak, aby vytvářely barevné variace a hloubku – byl to pokus namalovat obrazy, které by se blížily tomu, jak barvy skutečně vidíme – pokus přiblížit se realitě. Oba používají tečky, ale jejich význam je opačný.

To všechno jsou způsoby, jak začít definovat umělecké dílo, jak ho zúžit. „Představte si, že jste umělecký kritik, jehož úkolem je porovnávat významy, které nacházíte v široké škále jednotlivých uměleckých děl. Jak byste při plnění svého úkolu postupovali? Jedním ze způsobů, jak začít, je prozkoumat materiály, které jednotliví umělci zvolili při tvorbě objektu, obrazu videa nebo události. Například rozhodnutí odlít sochu z bronzu nevyhnutelně ovlivňuje její význam; dílo se stává něčím jiným, než kdyby bylo odlito ze zlata, plastu nebo čokolády, i kdyby vše ostatní na díle zůstalo stejné. Dále můžete zkoumat, jak se materiály v jednotlivých uměleckých dílech proměnily v uspořádání tvarů, barev, textur a linií. Ty jsou zase uspořádány do různých vzorů a kompozičních struktur. Při výkladu byste se vyjádřili k tomu, jak výrazné rysy formy přispívají k celkovému významu hotového uměleckého díla. [Nakonec] se však význam většiny uměleckých děl… nevyčerpává diskusí o materiálech, technikách a formě. Většina interpretací zahrnuje také diskusi o myšlenkách a pocitech, které umělecké dílo vyvolává.“

Umění předchází historii; byly nalezeny sochy, jeskynní malby, skalní malby a petroglyfy z období svrchního paleolitu, které začalo zhruba před 40 000 lety, ale přesný význam tohoto umění je často sporný, protože o kulturách, které je vytvořily, je známo velmi málo. Nejstarší umělecké předměty na světě: série drobných vrtaných šnečích ulit starých asi 75 000 let byly objeveny v jihoafrické jeskyni, viz Umění jižní Afriky.

Velké umělecké tradice mají základ v umění jedné z velkých starověkých civilizací: Řím nebo Arábie (starověký Jemen a Omán). Každé z těchto center rané civilizace vyvinulo ve svém umění jedinečný a charakteristický styl. Vzhledem k velikosti a délce trvání těchto civilizací se dochovalo více jejich uměleckých děl a jejich vliv se přenesl do dalších kultur a pozdějších dob. Poskytly také první záznamy o tom, jak umělci pracovali. Například v tomto období řeckého umění došlo k uctívání lidské fyzické podoby a k rozvoji odpovídajících dovedností, jak zobrazit svalstvo, vyrovnanost, krásu a anatomicky správné proporce

V byzantském a gotickém umění západního středověku se umění soustředilo na vyjádření biblických, nikoli hmotných pravd a kladlo důraz na metody, které měly ukázat vyšší, neviditelnou slávu nebeského světa, jako bylo použití zlata v malbách nebo skla v mozaikách či oknech, které také zobrazovaly postavy v idealizovaných, vzorovaných (tj. „plochých“) formách.

Stylizovaný podpis sultána Osmanské říše Mahmuda II. byl napsán arabskou kaligrafií. Stojí na něm: Mahmud Chán, syn Abdulhamidův, je navždy vítězný.

V západní renesanci došlo k návratu k ocenění hmotného světa a místa člověka v něm a tato změna paradigmatu se odráží v uměleckých formách, které ukazují tělesnost lidského těla a trojrozměrnou realitu krajiny.

Krajina borového údolí, autor Chen Hongshou, dynastie Ming.

Na východě vedlo odmítání ikonografie v islámském umění k důrazu na geometrické vzory, islámskou kaligrafii a architekturu. Dále na východě náboženství dominovalo také uměleckým stylům a formám. V Indii a Tibetu se kladl důraz na malované sochy a tanec, přičemž náboženská malba přejímala mnoho konvencí ze sochařství a tíhla k jasným kontrastním barvám s důrazem na obrysy. V Číně došlo k rozkvětu mnoha uměleckých forem, nefritového řezbářství, bronzového řemesla, keramiky (včetně ohromující terakotové armády císaře Čchin), poezie, kaligrafie, hudby, malířství, dramatu, beletrie atd. Čínské styly se v jednotlivých epochách značně liší a tradičně se pojmenovávají podle vládnoucí dynastie. Tak například obrazy dynastie Tang jsou jednobarevné a řídké a kladou důraz na idealizované krajiny, ale obrazy dynastie Ming jsou rušné, barevné a zaměřují se na vyprávění příběhů prostřednictvím prostředí a kompozice. Také Japonsko pojmenovává své styly podle císařských dynastií a také zde se styly kaligrafie a malířství hodně prolínaly. Dřevotisk se v Japonsku stal důležitým po 17. století.

Západní věk osvícenství v 18. století byl svědkem uměleckého zobrazování fyzikálních a racionálních jistot hodinového vesmíru, stejně jako politicky revolučních vizí postmonarchistického světa, jako je Blakeovo zobrazení Newtona jako božského geometra nebo Davidovy propagandistické obrazy. To vedlo k jejich odmítnutí romantiky ve prospěch obrazů citové stránky a individuality člověka, jejichž příkladem jsou Goethovy romány. Konec 19. století pak přinesl celou řadu uměleckých směrů, mimo jiné akademické umění, symbolismus, impresionismus a fauvismus.

Ve 20. století se tyto představy rozpadly, rozbité nejen novými Einsteinovými objevy teorie relativity a Freudovými objevy neviditelné psychologie,
ale také nebývalým technologickým rozvojem, který urychlila imploze civilizace ve dvou světových válkách. Dějiny umění dvacátého století jsou vyprávěním o nekonečných možnostech a hledání nových měřítek, z nichž každé je postupně bouráno dalším. Parametry impresionismu, expresionismu, fauvismu, kubismu, dadaismu, surrealismu atd. tak nelze udržet příliš dlouho po době jejich vzniku. Rostoucí globální interakce v této době zaznamenala rovnocenný vliv jiných kultur na západní umění, například Pablo Picasso byl ovlivněn africkým sochařstvím. Japonské dřevotisky (které byly samy ovlivněny západní renesanční kresbou) měly obrovský vliv na impresionismus a jeho následný vývoj. Africké sochy pak převzal Picasso a do jisté míry i Matisse. Podobně měl Západ obrovský vliv na východní umění v 19. a 20. století, přičemž původně západní myšlenky jako komunismus a postmoderna měly silný vliv na umělecké styly.

Modernismus, idealistické hledání pravdy, ustoupil ve druhé polovině 20. století poznání její nedosažitelnosti. Relativita byla přijata jako nevyhnutelná pravda, což vedlo k období současného umění a postmoderní kritiky, kde jsou kultury světa a dějin vnímány jako proměnlivé formy, které lze ocenit a čerpat z nich pouze s ironií. Kromě toho se stále více stírá rozdělení kultur a někteří tvrdí, že je nyní vhodnější uvažovat v termínech globální kultury, nikoliv regionálních kultur.

Umění má tendenci napomáhat spíše intuitivnímu než racionálnímu chápání a je obvykle vědomě vytvářeno s tímto záměrem. Výtvarné umění záměrně neslouží jinému účelu. V důsledku tohoto podnětu jsou umělecká díla neuchopitelná, lámavá vůči pokusům o klasifikaci, protože je lze hodnotit více než jedním způsobem a často jsou náchylná k mnoha různým interpretacím.

Například v případě Gericaultova Splavu Medúzy nejsou zvláštní znalosti o ztroskotání lodi, které obraz zobrazuje, nezbytnou podmínkou pro jeho ocenění, ale umožňují pochopit Gericaultovy politické záměry v tomto díle.

I umění, které povrchně zobrazuje všední událost nebo předmět, může vybízet k zamyšlení nad vznešenými tématy.

Nejvyšší umělecké úspěchy tradičně prokazují vysokou úroveň schopností nebo plynulosti v daném médiu. Tato charakteristika může být považována za sporný bod, protože mnoho moderních umělců (především konceptuálních) díla, která vymýšlejí, sami nevytvářejí, nebo dokonce nevytvářejí dílo v konvenčním, demonstrativním smyslu, jako je například My Bed Tracey Emin. Umění má transformační schopnost: propůjčuje zvláště přitažlivé nebo esteticky uspokojivé struktury či formy původnímu souboru nesouvisejících, pasivních složek.

Adam. Detail z Michelangelovy fresky v Cappella Sistina (1511)

Umění může znamenat pocit vycvičenosti nebo zvládnutí určitého média. Umění může také jednoduše odkazovat na rozvinuté a účinné používání jazyka k bezprostřednímu a hlubokému vyjádření významu.

Umění je v podstatě vyjádření našich pocitů, myšlenek a postřehů. V důsledku zacházení s materiálem dochází k porozumění, které usnadňuje myšlenkové procesy.

Běžně se setkáváme s názorem, že přívlastek „umělecký“, zejména ve svém vznešeném smyslu, vyžaduje od umělce určitou úroveň tvůrčí odbornosti, ať už se jedná o projevení technických schopností nebo o originalitu stylistického přístupu, jako je tomu například u Shakespearových her, nebo o kombinaci obojího. Například běžná současná kritika některých moderních uměleckých děl se objevuje v rovině námitek proti zjevnému nedostatku dovedností nebo schopností, které jsou při tvorbě uměleckého objektu vyžadovány. Jako příklad lze uvést dílo Tracey Eminové Moje postel nebo Hirstovu Fyzickou nemožnost smrti v mysli někoho živého, u nichž umělec nevyužil téměř žádné tradičně uznávané dovednosti, ale lze říci, že je inovoval tím, že uplatnil zručnost při manipulaci s masovými médii jako médiem. V prvním případě Emin jednoduše spala (a věnovala se jiným činnostem) ve své posteli, než výsledek umístila do galerie. Trvala na tom, že v tomto díle, které zahrnuje předměty, jako je spodní prádlo a láhve kolem postele, je vysoká míra výběru a uspořádání. Šokující všednost tohoto uspořádání se ukázala být dostatečně zarážející na to, aby ostatní začali dílo interpretovat jako umění. Ve druhém případě přišel Hirst s koncepčním návrhem uměleckého díla. Ačkoli se fyzicky podílel na vzniku tohoto díla, případné vytvoření mnoha dalších děl přenechal najatým řemeslníkům. V tomto případě je Hirstova sláva založena výhradně na jeho schopnosti vytvářet šokující koncepty. Samotná výroba je, stejně jako u většiny objektů, záležitostí montáže. Tyto přístupy jsou příkladem zvláštního druhu současného umění známého jako konceptuální umění.

Domorodé hroby z dutých kmenů. Národní galerie, Canberra, Austrálie

Poněkud v souvislosti s výše uvedeným se slovo umění používá také pro hodnotové soudy, například ve výrazech jako „to jídlo bylo umělecké dílo“ (kuchař je umělec) nebo „umění klamat“ (chválí se vysoká úroveň dovedností podvodníka). Právě toto použití slova jako měřítka vysoké kvality a vysoké hodnoty dává tomuto výrazu příchuť subjektivity.

Hodnotové soudy vyžadují základ pro kritiku. Na nejjednodušší úrovni lze určit, zda působení předmětu na smysly splňuje kritéria pro to, aby byl považován za umění, a to tak, zda je vnímán jako přitažlivý nebo odpudivý. Ačkoli je vnímání vždy zabarveno zkušeností a je nutně subjektivní, běžně se má za to, že – co není určitým způsobem esteticky uspokojivé, nemůže být uměním. „Dobré“ umění však není vždy nebo dokonce pravidelně esteticky přitažlivé pro většinu diváků. Jinými slovy, hlavní motivací umělce nemusí být snaha o estetiku. Umění také často zobrazuje hrůzné obrazy vytvořené ze sociálních, morálních nebo myšlenkových důvodů. Například obraz Francisca Goyi zobrazující španělské střílení z 3. května 1808 je grafickým vyobrazením popravčí čety, která popravuje několik prosebných civilistů. Hrůzný obraz však zároveň prokazuje Goyovy pronikavé kompoziční a realizační umělecké schopnosti a vyvolává patřičné společenské a politické pobouření. Pokračuje tak debata o tom, jaký způsob estetického uspokojení, pokud vůbec nějaký, je zapotřebí k definování „umění“.

Přijetí nových hodnot nebo vzpoura proti přijatým představám o tom, co je esteticky lepší, nemusí probíhat současně s úplným opuštěním snahy o to, co je esteticky přitažlivé. Ve skutečnosti je často pravdou opak, že v revizi toho, co je populárně pojímáno jako esteticky přitažlivé, umožňuje znovu oživit estetickou citlivost a nově ocenit samotná měřítka umění. Nespočet škol navrhlo své vlastní způsoby definování kvality, přesto se zdá, že se všechny shodují přinejmenším v jednom bodě: jakmile je jejich estetická volba přijata, hodnota uměleckého díla je určena jeho schopností překročit hranice zvoleného média, aby zasáhlo určitou univerzální strunu vzácností umělcova umění nebo jeho přesným odrazem v tom, co se nazývá zeitgeist.

Umění působí na mnoho lidských emocí. Může vzbuzovat estetické nebo morální pocity a může být chápáno jako způsob, jak tyto pocity sdělit. Umělci vyjadřují něco tak, aby to jejich publikum do jisté míry vzrušilo, ale nemusí tak činit vědomě. Umění zkoumá to, co se běžně označuje jako lidský stav, který je v podstatě tím, co znamená být člověkem.
Účinné umění často přináší nějaký nový pohled týkající se lidského stavu, ať už jednotlivě, nebo hromadně, což nemusí být vždy pozitivní, nebo nutně rozšiřuje hranice kolektivních lidských schopností. Míra dovednosti, kterou umělec disponuje, ovlivní jeho schopnost vyvolat emocionální odezvu, a tím poskytnout nový vhled, schopnost libovolně s nimi manipulovat svědčí o příkladné zručnosti a odhodlání.

Pohled na horu Fudži z bodu Satta v zálivu Suruga, dřevoryt od Hirošigeho, vydáno posmrtně 1859.

Obraz Dong Yuan (934-962), Pět dynastií a deset království, Čína

Některé umělecké žánry jsou rozděleny do skupin podle kulturního významu, příkladem mohou být pojmy jako: