Hudební teorie je obor studia, který popisuje prvky hudby a zahrnuje vývoj a použití metod pro analýzu a skládání hudby a vzájemný vztah mezi notací hudby a praxí výkonu, teorií. Obecně může teorie zahrnovat jakékoli tvrzení, přesvědčení nebo pojetí hudby nebo o hudbě (Boretz, 1995). Osoba, která studuje nebo praktikuje hudební teorii, je hudební teoretik.
Někteří hudební teoretikové se pokoušejí vysvětlit techniky, které skladatelé používají, stanovením pravidel a vzorců. Jiní modelují zážitek z poslechu nebo provozování hudby. Ačkoli jsou ve svých zájmech a závazcích nesmírně rozmanití, mnoho západních hudebních teoretiků je jednotných ve svém přesvědčení, že úkony skládání, provozování a poslechu hudby lze vysvětlit do vysoké míry detailů (to na rozdíl od pojetí hudebního projevu jako zásadně nevýslovného s výjimkou hudebních zvuků). Obecně jsou díla hudební teorie jak popisná, tak preskriptivní, tedy snaží se definovat praxi a ovlivnit pozdější praxi. Hudební teorie tedy obecně v důležitých ohledech zaostává za praxí, ale také ukazuje na budoucí zkoumání a provozování.
Hudebníci studují hudební teorii, aby byli schopni porozumět vztahům, které skladatel nebo textař očekává, že budou pochopeny v notaci, a skladatelé studují hudební teorii, aby byli schopni porozumět tomu, jak vytvářet efekty a strukturovat svá vlastní díla. Skladatelé mohou studovat hudební teorii, aby se mohli řídit svými předkompozičními a kompozičními rozhodnutími. Obecně řečeno, hudební teorie v západní tradici se zaměřuje na harmonii a kontrapunkt a pak je používá k vysvětlení rozsáhlé struktury a tvorby melodie.
Hudební teorie popisuje, jak se zapisují zvuky, které se šíří ve vlnách, a jak posluchači vnímají to, co zní nebo hraje. Studium toho, jak lidé interpretují zvuk, se nazývá psychoakustika, zatímco kognitivní aspekty toho, jak se vnímané zvuky interpretují do hudebních struktur, se studují v hudebním poznávání. V hudbě se zvukové vlny obvykle neměří délkou (nebo vlnovou délkou) nebo periodou, ale frekvencí.
Každý předmět má rezonanční frekvenci, která je dána skladbou předmětu. Různé frekvence, na kterých zvukoví producenti mnoha nástrojů vibrují, jsou dány harmonickou řadou. Rezonátory hudebních nástrojů jsou navrženy tak, aby tyto frekvence využívaly. Různé nástroje mají různé zabarvení v důsledku změny velikosti a tvaru nástroje a také volby materiálů, ze kterých jsou části nástroje konstruovány.
Často jsou základní aspekty zvuku a hudby popisovány jako výška, délka trvání, intenzita a zabarvení.
V hudbě psané pomocí systému tóniny dur-moll určuje tónina skladby výšku tónu nebo frekvenci každé noty. Skladba v tónině D dur umístí všechny noty o dva půltóny výše než skladba v tónině C dur. Změna tóniny může dramaticky změnit pocit skladby, protože mění vztah tónů skladby k rozsahu tónů nástrojů, na kterých se skladba provádí. To často ovlivňuje zabarvení i technické důsledky pro interprety. Klíčové změny však mohou také zůstat nepoznány posluchačem, protože změna tóniny nezmění vztah jednotlivých tónin k sobě navzájem. Proto mohou být různé tóniny v mnoha případech považovány za rovnocenné a za záležitost volby ze strany interpretů. To platí zejména pro populární a lidové písně.
V posledních letech se rytmus a metr staly důležitou oblastí výzkumu mezi hudebními badateli. Poslední práce v těchto oblastech zahrnují knihy Freda Lerdahla a Raye Jackendoffa, Jonathana Kramera, Christophera Hastyho, Williama Rothsteina a Joela Lestera.
Melodie je rozvíjení hlavní jediné linie tónů v hudebním čase. Tato linie může znít samostatně, bez doprovodu, známá jako monofonie. Může být také doprovázena akordy, známými jako homofonie, kde je obvykle (ale ne vždy) přítomna v nejvyšších tónech. Třetí textura, zvaná polyfonie, se skládá z několika souběžných melodií stejné důležitosti. Kontrapunkt je studium kombinování takových nezávislých melodií. Gradus ad Parnassum od Johanna Josepha Fuxe je destilací principů kontrapunktu a byl použit jako instruktážní příručka pro mnoho skladatelů, včetně Mozarta a Beethovena.
Melodický rytmus je často zakořeněn v přízvukových vzorcích jazyka nebo v oživujících rytmech tance.
Ve velké části západní hudby je nejčastěji identifikovatelným prvkem melodie. Melodie často implikují určité stupnice nebo režimy.
Harmonie, konsonance, & disonance
Harmonie nastává, když zazní dva nebo více tónů současně, i když harmonie může být naznačena, když tóny zazní postupně, spíše než současně (jako v arpeggiaci). Dva simultánní tóny tvoří interval. Tři nebo více tónů zazní současně se nazývají akordy, i když termín je často používán pro označení určité organizace tónů, jako je triáda, spíše než jen nějaké tři nebo více tónů.
Souzvuk lze zhruba definovat jako harmonie, jejichž tóny doplňují a umocňují vzájemnou rezonanci, a disonance jako ty, které vytvářejí složitější akustické interakce (nazývané „beaty“). Zjednodušeným příkladem je „příjemný“ zvuk versus „nepříjemný“. Jiný způsob uvažování o vztahu se týká stability; disonantní harmonie jsou někdy považovány za nestabilní a „chtějí se posunout“ nebo „vyřešit“ směrem ke konsonanci. To však neznamená, že disonance je nežádoucí. Kompozice vytvořená výhradně ze souhláskových harmonií může být příjemná pro ucho a přesto nudná, protože není třeba řešit žádné nestability.
Stručné zvukové (MIDI) hudební ukázky interakce a působení konsonance a disonance na sebe navzájem naleznete zde: „Vliv kontextu na disonanci“ a zde: „Role harmonie v hudbě“
Melodie je často organizována tak, aby působila na měnící se harmonie (někdy nazývané akordová progrese), které ji doprovázejí, a vytvářela konsonanci a disonanci. Umění skládání melodií je silně závislé na volbě tónů pro jejich neharmonický nebo harmonický charakter.
„Harmonie“, jak ji používají hudební teoretici, může odkazovat na jakýkoli druh simultánnosti bez hodnotového úsudku, v kontrastu s běžnějším používáním „v harmonii“ nebo „harmonické“, což by v technickém jazyce mohlo být popsáno jako konsonance.
Hudební textura je celkový zvuk hudební skladby běžně popisovaný podle počtu a vztahu mezi částmi nebo liniemi hudby: monofonie, heterofonie, polyfonie, homofonie nebo monodie. Vnímaná textura skladby může být ovlivněna mimo jiné také zabarvením nástrojů hrajících tyto části a použitou harmonií a rytmy.
Zápis hudby je grafické znázornění hudby. Ve standardní západní notaci jsou výšky tónů znázorněny na svislé ose a čas je znázorněn symboly zápisu na vodorovné ose. Noty jsou tedy správně umístěny na hudební osnově s příslušnými časovými hodnotami, aby hudebníci věděli, jakou notu mají hrát a kdy ji mají hrát.
Taková notace tvoří obsah hudební osnovy spolu s pokyny udávajícími tón, tempo, dynamiku atd.
Viz: Hudební analýza a Schenkeriánova analýza.
Vnímání a poznávání hudby
Dostupné online. (anglicky) Fred Lerdahl and Ray Jackendoff.
Viz serialismus, teorie množin (hudba), Milton Babbitt, David Lewin a Allen Forte.
Dostupné online. (anglicky) Jean-Jacques Nattiez.
Klíčovou dovedností naučenou v Hudební teorii je schopnost rozpoznat výšky tónů, škálování a intervaly. Má-li člověk dobré ucho, má mnoho využití, včetně nalezení vedoucího tónu, melodické linky, basové linky a klávesy pro hudební skladby. Základním přístupem k zahájení tréninku s uchem je zahrát dvě výšky tónu za sebou a umět rozeznat interval mezi oběma. Společné intervaly jsou Major Third, Perfect Fourth, Perfect Fifth, Major Sixth a Octave. Jedním z možných způsobů, jak se naučit rozeznat tyto intervaly, je spojit zvuk s obecně známou písní nebo popkulturním zvukem. Například Twinkle, Twinkle, Little Star začíná stoupajícím Perfect Fifth intervalem; hudba Francise Laie k filmu Love Story začíná stoupající a klesající Minor Sixth; Major Sixth může být spojena s znělkou NBC nebo písní My Bonnie Lies over the Ocean; a Somewhere Over the Rainbow začíná stoupající Octave.
Čtyřdílné písmo sloužilo několik set let jako základ hudební praxe v Evropě. Historicky je to dáno tím, že v západní tradici převládá sborová hudba. Základním principem čtyřdílného písma je vytvořit čtyři souběžné linky, které se řídí pravidly harmonie a hlasového vedení.
Čtyřdílné písmo je někdy označováno jako SATB aranžmá, tedy aranžmá pro čtyři vokální části: Soprán, Alto, Tenor a basové linky. Není však nutné, aby tyto specifické hlasové části byly přítomny, aby byla skladba považována za čtyřdílnou. V mužské sborové hudbě jsou čtyřdílné skladby nejčastěji vyjádřeny jako TTBB (Tenor I, Tenor II, Baryton, Bass), zatímco smyčcové kvarteto používá dvoje housle, violu a violoncello.